27 dic. 2012

El Clan del Oso Cavernario


El Clan del Oso Cavernario
Jean M. Auel
(Maeva, 1980)

Descripción: Un terremoto sacude el suelo bajo los pies de Ayla, una niña Cromañón de cinco años que, al recuperarse del susto, descubre que la tierra se ha tragado el campamento donde vivía. Sola en el mundo, tan pequeña e indefensa, vaga sin rumbo hasta que es herida por un león cavernario.

El terremoto también ha afectado a otros habitantes de la zona, entre ellos al Clan del Oso Cavernario, formado por hombres de Neanderthal, que tienen que abandonar la cueva en la que habitaban creyéndola maldita por sus espíritus protectores. En su camino encuentran a Ayla inconsciente y febril debido a las heridas provocadas por el león cavernario. Iza, la curandera del Clan, la ayuda a sobrevivir, y Creb, el Mog-ur (chamán),ve en la niña la marca de uno de los espíritus tótem más poderosos.


La aceptación de Ayla por parte del Clan es sumamente difícil ya que la niña pertenece a quienes ellos llaman "los otros". Ayla rompe muchas tradiciones aunque nunca llega a modificar las costumbres del Clan, sin embargo le dan libertad de hacer algunas cosas que las mujeres del clan no podian hacer, ya que el rol de las mujeres era practicamente nulo. Ayla al ser distinta no acepta las normas establecidas. Por otra parte, ella puede hablar y los miembros del Clan se comunican mediante señas (en el momento de ser escrito este libro, las teorías más difundidas consideraban que los hombres de Neandertal no tenían la capacidad de hablar).


La inteligencia de Ayla supera la de los miembros del clan y demuestra tener una gran capacidad de aprendizaje; apenas le enseñan a contar y pronto demuestra una noción superior de las matemáticas, cabe mencionar que el sabio en esas cuestiones era Mog-ur, el cual se sorprendio de las capacidades que presentaba Ayla. Lo mismo ocurre con el uso de armas,ella aprendio a usar la honda, lo que le trajo muchos problemas en el clan.


Ayla fue adoptada por el Creb el Mog-ur e Iza la curandera, ellos eran hermanos y no tenían hijos, Iza le enseñó a ser curandera pero Ayla no poseia la "memoria del clan", por lo que aunque aprendía rápidamente, le resulta imposible hacer cosas que no le hubieran enseñado previamente, mientras que sus compañeros del clan "instintivamente" las conocían.


El libro plantea también otras muchas teorías sobre sus pronunciadas cabezas, tradiciones, métodos de caza, recolecta, cómo pasar los inviernos, etc. Aparte de ser una apasionada aventura en la época prehistórica, es también muy formativo, y revela la gran capacidad y documentación de la escritora. Además de la apasionante lucha por la supervivencia y por la aceptación de roles en el grupo por parte de Ayla, la protagonista, con la cual nos sentiremos identificados, también hará disfrutar al lector con los estatus del clan, su organización, sus cacerías y el momento cumbre del libro: la caza del mamut y la reunión de clanes.




18 dic. 2012

Los señores del acero


Los señores del acero (Flesh and Blood) es una película de aventuras rodada en 1985 y dirigida por Paul Verhoeven. Está ambientada en algún lugar de Europa en el año 1501, siguiendo la historia de un grupo de mercenarios en sus saqueos, violaciones y asesinatos.

El guion esta basado en parte en material sin estrenar de la serie Floris de la televisión holandesa, la que fue el debut de Gerard Soeteman, Paul Verhoeven y Rutger Hauer.

Un ejército mercenario pone bajo asedio una ciudad para devolvérsela a su antiguo gobernante, Arnolfini (Fernando Hilbeck). Para motivar a los mercenarios, Arnolfini les autoriza a saquear la ciudad, por lo que una vez capturada los mercenarios se entregan a una orgía de asesinatos, saqueos y violaciones.

Durante el asalto, Hawkwood, el capitán que manda a los mercenarios (Jack Thompson) hiere mortalmente a una monja por error, y temiendo quedar maldito hace todo lo que es posible para que la curen.

Arnolfini pronto se percata de que el pillaje de sus mercenarios le supondrá graves pérdidas económicas, y aprovechándose de los temores de Hawkwood, le convence para que traicione a sus hombres, les acorrale en una plaza y los obligue a rendirse y entregarle sus armas y el botín, para después dispersarlos, todo esto frente a las protestas de su hijo Steven (Tom Burlinson) más partidario de cumplir con su palabra de honor, los hombres son dispersados en pequeños grupos desesperados y hambrientos.

En unas ruinas nace muerto el hijo de uno de los soldados, Martín (Rutger Hauer) y una prostituta, y al enterrarlo se encuentran con una imagen de San Martín de Tours. El capellán del grupo ve esto como una señal del cielo que les dicta seguir a Martín como su nuevo líder y éste determina vengarse de sus antiguos amos y robarles sus riquezas.

Mientras tanto, Steven es prometido a la princesa Agnes (Jennifer Jason Leigh) y, pese a sus reticencias a casarse puesto que prefiere dedicarse a la ciencia, su padre le fuerza a encontrarse con su prometida durante una cacería, causándole un gran enojo. Agnes, pese a su inocencia, es una mujer astuta y de fuerte personalidad, que consigue seducir a Steven con facilidad a través de las supuestas propiedades mágicas de la mandrágora. Posteriormente, Martín y sus hombres emboscan la caravana en la que viajan Agnes y Steven matando a casi toda la escolta, hiriendo gravemente a Arnolfini, y llevándose sin saberlo a Agnes escondida en uno de los carromatos presa del terror. Esa noche, mientras los mercenarios se reparten el botín, Martín descubre a una asustada Agnes y sus hombres intentan una violación colectiva, pero Martín decide tomarla para sí mismo; Agnes, en su propósito de sobrevivir a cualquier precio le seduce en el convencimiento de que como líder del grupo él protegerá lo que considera suyo.


Al día siguiente los mercenarios asaltan un castillo y masacran a sus habitantes, quedando como única superviviente una niña enferma de peste que huye de allí. Steven, acompañado por Hawkwood sigue el rastro de los mercenarios y encuentra a la niña moribunda, con lo que finalmente localiza el castillo, Hawkwood sin embargo se contagia de peste al intentar ayudar a la niña. Cuando llegan al castillo Steven se encuentra con que aparentemente Agnes se ha unido a la banda de mercenarios y Martín le exige que abandone porque ella no le quiere, no obstante Agnes le arroja su medallón enviándole un mensaje de que le ama y suplica que la rescate.

Steven comienza de inmediato la construcción de una máquina de asedio, pero la máquina es destruida y la mayoría de sus hombres son masacrados, siendo él mismo capturado prisionero y torturado por Martín y los suyos. Hawkwood entonces intenta una última treta, arroja los trozos de un perro infectados de peste al castillo con una catapulta y espera la llegada de Arnolfini con tropas de refuerzo. Steven consigue envenenar el pozo del castillo arrojando un trozo del perro dentro y a la mañana siguiente tres de sus enemigos enferman por ello, los mercenarios acusan a Martín de traidor y le arrojan al pozo, intentando después huir, sólo para encontrarse acorralados por las tropas de Arnolfini. Tanto Martín como Steven consiguen escapar, mientras Martín busca a Agnes para asesinarla y no entregársela a Steven, éste consigue abrir las puertas del castillo para que las tropas de su padre masacren a los mercenarios. Luego consigue salvar a Agnes in extremis mientras Martín la estrangulaba.

Fue filmada íntegramente en España, en las ciudades de Belmonte, Cáceres y Ávila.

Ver en Youtube (no se puede insertar)

TítuloLos señores del acero
Ficha técnica
DirecciónPaul Verhoeven
ProducciónGijs Versluys
GuionGerard Soeteman
Paul Verhoeven
MúsicaBasil Poledouris
FotografíaJan de Bont
MontajeIne Schenkkan
ProtagonistasRutger Hauer
Jennifer Jason Leigh
Tom Burlinson
Ronald Lacey
Susan Tyrrell
Jack Thompson
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es)Bandera de España España
Bandera de los Estados Unidos Estados Unidos
Año1985
GéneroAventuras
Duración126 min
Idioma(s)Inglés
Compañías
DistribuciónOrion Pictures
PresupuestoUS$6.500.000

15 dic. 2012

Led Zeppelin at the Royal Albert Hall 1970



led zeppelin 70


Led Zeppelin
Live at the Royal Albert Hall
9 de Enero de 1970
(Full Concert)

00:27 We're Gonna Groove (James A. Bethea, Ben E. King)
03:40 I Can't Quit You Baby (Willie Dixon)
10:36 Dazed and Confused (Jimmy Page)
26:09 White Summer (Page)
38:32 What Is and What Should Never Be (Page, Robert Plant)
43:11 How Many More Times (John Bonham, John Paul Jones, Page)
1:03:28 Moby Dick (Bonham, Jones, Page)
1:18:49 Whole Lotta Love (Bonham, Dixon, Jones, Page, Plant)
1:25:13 Communication Breakdown (Bonham, Jones, Page)
1:29:29 C'mon Everybody (Jerry Capehart, Eddie Cochran)
1:32:00 Somethin' Else (Bob Cochran, Sharon Sheeley)
1:34:10 Bring It On Home (Bonham, Dixon, Jones, Page, Plant)
 

12 dic. 2012

El topo (Jodorowski)

El Topo
Alejandro Jodorowski
México, 1969

Sinopsis 
La película toma lugar en dos escenarios. La primera mitad, en un desierto sin nombre, involucra el viaje del protagonista, primero con su hijo y luego con Mara. Ella lo convence para que mate a los cuatro maestros del revolver. Cuando El Topo encuentra a un maestro, éste le enseña una lección, luego de lo cual se baten a duelo. Mara le dice a El Topo que debe ganar y que para ello debe hacer lo que sea necesario, lo insta a hacer trampa cada vez. El último maestro se mata a sí mismo, en un acto de despojo total, el más grande que puede hacer un ser humano, el de su propio cuerpo, demostrando la poca importancia de la vida material. La primera mitad termina con la traición a El Topo por parte de Mara y una extraña mujer que los acompaña y su frustrado asesinato.

La segunda mitad de la película toma lugar años después, luego que El Topo es rescatado por una banda de marginados deformes, salvándolo de la muerte. La banda conduce a El Topo a su comunidad subterránea, donde él, estando en coma, medita acerca de las cuatro lecciones por varios años. Cuando despierta, "renace" con la ayuda de los marginados, y se va en busca de la libertad de los deformes desde su prisión subterránea.

Con la ayuda de su novia enana y su hijo ya mayor, El Topo cava una salida de la cueva, viendo que los de su comunidad son asesinados por los habitantes de un pueblo cercano. Montado en cólera, El Topo los asesina y pone gasolina sobre sí mismo y se quema (inmola), una vez que ha aprendido todo lo que podía sobre la vida.

El hijo de El Topo y la novia sobreviven de este Apocalipsis y cavan una tumba para sus restos, la cual más tarde se transforma en una colmena llena de miel (símbolo religioso de un hombre sagrado). Se especula que El Topo se habría de reencarnar, a través de su novia embarazada, en una secuela aún no realizada.

La película es a menudo interpretada como una metáfora del Antiguo y Nuevo Testamento. Los cuatro maestros representarían los cuatro grandes profetas del Antiguo Testamento (Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel) y El Topo a Jesucristo. En una secuencia introductoria animada se describe a El Topo como alguien que ha experimentado el proceso descrito en la alegoría de la cueva, encontrada en La República de Platón.

La escena final, en la cual El Topo se enciende fuego a sí mismo, comparte una imagen similar a la foto de un monje budista (Thích Quảng Đức), que se quemó a sí mismo en una de las calles de Saigón, como forma de protesta ante la opresión del gobierno.

Esta película con el pasar de los años se ha convertido en una obra de culto, y ha inspirado juegos de video como No More Heroes de Goichi Suda.
wikipedia



3 dic. 2012

El cine de Jodorowski

Alejandro Jodorowki. Carrera cinematográfica
Su cine llama especialmente la atención por ser impactante, transgresor, sobrecargado, extraño, con elementos esotéricos y con una atmósfera llena de simbolismos y surrealismo. Muchas veces tildadas de inentendibles, las películas de Jodorowsky tienen un lugar preferencial en el llamado "cine de culto".

En 1967 el padre de su secretario particular le ofrece dinero para realizar su siguiente obra teatral. Rueda con él su primera película, Fando y Lis, adaptación de la obra homónima de Fernando Arrabal. La obra, protagonizada por Sergio Kleiner, Diana Mariscal, Sergio Kleiner, su esposa Valerie y Juan José Arreola, se proyecta en el festival de Acapulco en México, de donde Jodorowsky sale huyendo tras un intento de linchamiento. Inclusive el Indio Fernández, indignado por las imágenes de la película, sacó su pistola para matarlo, pero no lo logró. Atacada por la prensa, la película fue defendida ante los periodistas por Roman Polanski, quien había acudido invitado al festival en compañía de su esposa Sharon Tate.

En 1970 llega su segunda incursión cinematográfica: El Topo, en el que participan como actores su hijo Brontis, Alfonso Aráu y Mara Lorenzio. El Topo le da un reconocimiento internacional, gracias al cual John Lennon, a través de su representante Allen Klein, le ofrece distribuir y financiar parte de su siguiente proyecto: La montaña sagrada. La estrella principal sería George Harrison, pero ante la exigencia de Alejandro de mostrar un primer plano de su ano, y la negativa del músico a hacerlo, el director decide no darle el papel. La montaña sagrada es la única película de ficción basada en el eneagrama de la personalidad, ideado a partir del sufismo por Georges Gurdjieff y desarrollado principalmente por Óscar Ichazo y Claudio Naranjo. La montaña sagrada lo lleva a emprender su proyecto más ambicioso: la dirección de la película Dune.

Jodorowsky trabaja en él durante más de 5 años, invitando a participar a Orson Welles y Salvador Dalí (quien cobraría 100.000 dólares por una hora y aceptó a regañadientes la oferta en su hotel de Barcelona) e involucrando también a Chris Foss, Pink Floyd y H. R. Giger, todo bajo la dirección artística del dibujante francés Moebius. Tras retrasar el proyecto infinidad de veces, la compañía productora se retira, dejando más de 3.000 dibujos realizados por Moebius, que tiempo después se convertirían en el alma del cómic El Incal.



Tras media década sin dirigir, filma Tusk, una producción francesa rodada en India. Rueda nuevamente en México su cuarto largometraje: Santa sangre (1989), producida por Claudio Argento y protagonizada por sus hijos Cristóbal y Adán. Contra su voluntad dirige The Rainbow Thief (El Ladrón del Arcoiris, 1990), protagonizada por Omar Sharif y Peter O'Toole, uno de sus mayores fracasos debido a las presiones de la compañía del productor judío ruso-polaco Salkind y su esposa la pintora mexicana Berta Domínguez D. (autora del argumento original y actriz en el filme), quienes toman el control de la película.

En 1988 en un viaje promocional a Japón, en calidad de guionista de cómics, Jodorowsky conoció al célebre dibujante y cineasta Katsuhiro Ōtomo. Gracias a la amistad surgida entre ambos Jodorowsky le dio la idea de guion para el impactante final de Akira, primer cómic manga en llevarse al cine con éxito mundial. Años más tarde Jodorowsky le ofreció al dibujante japonés la serie Megalex, que finalmente dibujó el francés Fred Beltran (1999, 2002 y 2008).

En 2012 participa en la reputada Documenta de Kassel con un libro artístico sobre el proyecto frustrado de Dune.



Revalorización de su cine
El cine de Jodorowsky está en pleno siglo XXI viviendo una fase de revalorización, en especial en el mundo anglosajón, francófono e hispanoamericano. Con una filmografía escueta, como el caso de Jean Cocteau, Andrei Tarkovsky, Fernando Arrabal o Terrence Malick, con apenas siete filmes, el cine de Jodorowsky manifiesta un universo creativo propio, en donde lo metafísico y lo terapéutico se dan la mano, en el que lo trascendental se expresa mediante un complejo entramado de símbolos cinematográficos, como ocurre con Carl Theodor Dreyer, Robert Bresson o Theo Angelopoulos, pero mediante diferentes manifestaciones estéticas. Como ejemplos de esa nueva apreción de su cine entre las nuevas generaciones de espectadores: en 2009, la montadora chilena Andrea Chignoli, que participó en la restauración de sus cuatro primeras películas en DVD en Nueva York (2006) -promovidas por la empresa ABCKO, propietaria de los derechos-, publicó un librito en Chile sobre el cine de Jodorowsky, titulado Zoom Back Camera! El cine de Alejandro Jodorowsky.


La influencia del cine de Jodorowsky se extiende a la música moderna, a músicos tan dispares como John Lennon, Peter Gabriel o Marilyn Manson (los tres amigos personales de Jodorowsky, en etapas diferentes de su vida), y al séptimo arte: el cine mexicano de los años setenta (en especial Juan López Moctezuma y Rafael Corkidi) y a cineastas tan diferentes como Dennis Hopper, David Lynch (Eraserhead), Federico Fellini o Darren Aronofsky (La fuente de la vida / The Fountain, 2006). Por ejemplo, tras ver Fando y Lis en Roma, bajo el título Il paese incantato, Fellini incorporó a su película Satyricon (Fellini Satyricon, 1969) algunos temas, símbolos y secuencias, tales como la del banquete pantagruélico o la escena de lucha en el interior del cráter volcánico. Además, en 1990, tras ver el estreno en Roma de Santa sangre, Fellini vendió a Jodorowsky el guion de Viaje a Tulum, en el que el propio Jodorowsky aparece como personaje, y que narra el viaje de Fellini a México en busca de un chamán. El guion de Viaje a Tulum fue convertido en cómic por el célebre dibujante Milo Manara, habitual colaborador de Jodorowsky. El 28 de agosto del 2011 fue lanzado el videoclip Born Villain dirigido por el actor Shia LaBeouf, en colaboración con Marilyn Manson, que además de la música también aparece como intérprete. Este cortometraje musical tiene notables referencias y homenajes a dos filmes de Jodorowsky, La Montaña Sagrada y El Topo, el primero de ellos el film favorito de Marilyn Manson. En junio de 2012, tras veintidós años sin dirigir un film, Jodorowsky inició el rodaje de la adaptación cinematográfica de la primera mitad de sus memorias, La danza de la realidad, en su localidad natal, Tocopilla.


11 nov. 2012

Guitar Legends 1992 - The Hard Rock Night


Guitar Legends 1992 

Brian May, Joe Satriani, Steve Vai, Joe Walsh, Nuno Bettencourt, Paul Rogers

October 19.1991 Sevilla, Spain

Expo'92 (The Hard Rock Night)
Source: Japan Sattelite Broadcast

Track List

01 Satch Boogie (Joe Satriani)
02 Surfing With Alien (Joe Satriani)
03 Always With Me Always With You (Joe Satriani)
04 Big Bad Moon (Joe Satriani,Brian May)
05 Liberty (Steve Vai, Brian May)
06 Greasy Kids Stuff (Steve Vai)
07 For The Love Of God (Steve Vai)
08 More Than World (Nuno Bettencourt, Gary Cherone)
09 Driven By You (Brian May, Steve Vai)
10 Guitara Solo (Brian May)
11 Tie Your Mother Down (Brian May, Steve Vai, Joe Satriani)
12 Funk #49 (Joe Walsh)
13 Rocky Mountain Way (Joe Walsh, Brian May, Steve Vai, Joe Satriani)
14 All Right Now (Paul Rogers, Brian May, Steve Vai, Joe Satriani)
15 Now I'm Here (Brian May, Gary Cherone, Steve Vai, Joe Satriani)
16 Hey Joe (Paul Rogers, Brian May, Steve Vai, Joe Satriani, Nuno Bettencourt, Joe Walsh)

Line Up:

Brian May - Guitar, Vocal
Joe Satriani - Guitar, Vocal
Steve Vai - Guitar
Nuno Bettencourt - Guitar
Joe Walsh - Guitar, Vocal
Paul Rogers - Vocal
Gary Cherone - Vocal

Nathen East - Bass
Steve Ferrone - Drums
Neil Murray - Bass
Cozy Powell - Drums

Rick Wakeman - Keyboards

29 oct. 2012

El Día de Muertos, México

El Día de Muertos ha dado lugar a diferentes manifestaciones del arte popular mexicano como son las calaveras de dulce, el pan de muerto, dibujos que se burlan de la muerte, versos en los que se ridiculiza a cualquier personaje vivo y las ofrendas que se preparan con respeto por los familiares para recordar a los que se han ido.

Para los mexicanos, el Día de Muertos representa algo más que la veneración de sus difuntos, podría decirse que para ellos, a diferencia de otros latinoamericanos, este día es para celebrar, burlarse, jugar y convivir con la muerte.

Esta convivencia ha dado lugar a diferentes manifestaciones del arte popular mexicano como son las calaveras de dulce, el pan de muerto, dibujos que se burlan de la muerte, versos en los que se ridiculiza a cualquier personaje vivo y las ofrendas que se preparan con respeto por los familiares para recordar a los que se han ido.

Alimentos, flores y objetos personales del difunto son parte esencial del altar y según la creencia, los seres queridos regresan este día para gozar lo que disfrutaban en vida.

Haciendo un repaso de la historia, en las culturas mesoamericanas los nativos consideraban a la muerte como el paso a seguir hacia una nueva vida y fue con la llegada de los españoles, quienes llevaron consigo nuevas creencias, cuando se pasó a tener otro concepto de la vida y la muerte.

En la cotidianeidad del mexicano la muerte aparece salpicada de picardía, y en este día en particular, todos los cementerios del país se llenan de gente que esta ansiosa por compartir esta sagrada fecha con sus difuntos.

Familiares y amigos llegan a la tumba de su ser querido con flores y escoba, ya que pudo haber pasado algún tiempo desde la última visita, y algunos llevan comida para disfrutar en compañía de sus difuntos. A los más alegres los acompañan músicos para alegrar el momento que pasan en el cementerio y muchas veces los familiares deciden continuar la fiesta en casa. De hecho, de México salió el refrán : "El muerto al cajón y el vivo al fiestón".
Pese a la influencia de otras costumbres extranjeras, esta celebración se ha conservado como parte de las tradiciones culturales de los mexicanos y sus diferentes costumbres se han transmitido de generación en generación. El origen de esta fecha es completamente cristiano pero con el tiempo se ha convertido también en una fiesta pagana.


Vocabulario especial

Calaca: Esqueletos que representan la muerte.
Calavera: Cabeza de muerto.
Calavera: Versos satíricos u humorísticos que se elaboran para halagar o criticar personas importantes en la política, la farándula o el mundo intelectual y que aparecen durante esta época en los periódicos.
Calaveras de dulces o alfenique: Cabezas de muertos confeccionadas con azúcar, claras de huevos, agua , jugo de limón y crema agría de leche que se ponen en los altares y se entregan a los niños y jóvenes como regalos. Estos alfeniques vienen decorados con flores, cruces, lentejuelas etc. Las más finas elaboraciones de alfeniques proceden de san Miguel de Allende, Guanajato y Toluca.
Cempazuchitl o zenpasuchitl: Flores de muerto, conocida también como caléndula, maravilla, de color amarillo o anaranjado.
Cloatlicue: Diosa de la tierra y de la muerte. La escultura presenta una mujer decapitada. Procede de Tenochitlán.
Día de los difuntos o Día de los fieles difuntos: Fiesta católica que se celebra el primero de noviembre.
Ofrenda: Dádivas colocadas en el altar para halagar a los que ya se murieron.
Altar: Banco, mesa o grada que se coloca en alguna parte de la casa para ofrecer las dádivas a los muertos.
Pan de los muertos: Pan dulce que se elabora especialmente para El Día de los Muertos. Muchas veces aparece decorados con 'lágrimas' o figuras de harina que semejan huesos.
Pectoral: Adorno pegado al pecho y encontrado en Monte Albán y cuya cara aparece cubierta con una máscara descarnada.
Posada, Guadalupe José: (1852-1913) Artista mexicano, autor de numerosas ilustraciones sobre la muerte. Su satírica y humoristica visión de la muerte en la cotidianidad de la vida mexicana ha sido y continua siendo fuente de inspiración para artistas de todas las edades y de las más variadas escuelas dentro y fuera de Mexico.
Vida y muerte: Cabeza confeccionada en arcilla que representa la vida y la muerte. Procede de Oaxaca.

Fuente: Terra/turismo


si te ha gustado, compártelo con tus amigos

11 oct. 2012

26 sept. 2012

Evanescence / Rock in Rio 2011


Evanescence

Evanescence
Rock in Rio 2011
Multishow Brasil
02/10/2011

Set List:
0:09 1. What You Want
4:09 2. Going Under
7:59 3. The Other Side
12:29 4. Weight Of The Word
16:05 5. Made Of Stone
20:48 6. My Immortal
25:53 7. My Heart Is Broken
31:36 8. Your Star
36:40 9. Sick
40:24 10. The Change
44:35 11. Call Me When You're Sober
48:17 12. Imaginary
52:56 13. Bring Me To Life

22 sept. 2012

Documental: The Doors. When you're strange


'When you're strange', un justo tributo a The Doors y Jim Morrison


LAURA G. TORRES
RTVE 08.12.2010

"People are strange when you're a stranger (La gente es extraña cuando eres un extraño)". Así decía la canción "People are strange" del mítico grupo The Doors de su segundo LP Strange Days (1967); y de ahí ha sacado el título para su película documental Tom DiCillo, When you're strange, una película sobre The Doors, estrenada en diciembre de 2010 que narra el vertiginoso ascenso y caída del grupo y, fundamentalmente, de su carismático líder, Jim Morrison, sin olvidarse de Ray Manzarek (teclados), Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (percusión).

La cinta es un acercamiento sincero a la banda que huye de los estereotipos creados en torno a la figura de Morrison -como los que creó Oliver Stone con su film The Doors en 1991- y que supone un justo tributo al que fue el único grupo capaz de hacer sombra a sus contemporáneos The Beatles y los Rolling Stones, leyendas de la música que sí han gozado del reconocimiento que a los Doors se les ha negado, probablemente porque nunca se vendieron. Un grupo nacido en la contracultura de los 60, autores de una música psicodélica e hipnotizante y con letras con mucho mensaje, crudas y llenas de poesía simbólica.

Narrada por el actor Johnny Depp -que, al igual que Morrison, tuvo que luchar contra el alcohol y las drogas, como el propio DiCillo afirmaba-, la cinta recoge material del grupo rodado entre 1966 y 1971, gran parte inédito, e imágenes filmadas en 35 mm por el propio Morrison de su película experimental HWY: An American Pastoral, que codirigió en 1969 junto a su compañero en la escuela de cine de la UCLA (Universidad de California) Paul Ferrara, con guión y protagonizada por el cantante sobre la historia de un autoestopista asesino.

La calidad de las imágenes es tal que mucha gente piensa que el que aparece en pantalla es un actor interpretando a Jim Morrison, lo que DiCillo no cesa de desmentir por donde quiera que vaya, y sólo por verlas merece la pena el documental.

No hay entrevistas actuales y ni una sola imagen que no pertenezca a la época. "Quería que los Doors contaran su propia historia", decía su director cuando se presentó en el Festival de San Sebastián en 2009. Y parece haberlo conseguido porque Manzarek, Kriegger y Densmore están orgullosos del resultado. Es la película definitiva sobre The Doors.



La transformación el Rey Lagarto 
Con el film experimental de Morrison como estructura narrativa y con la música de los Doors siempre presente, Tom DiCillo, en su primer documental en 20 años de carrera como cineasta (Johnny Suede, Vivir rodando), introduce al espectador en la historia con un sobresalto en el que es el único juego de ficción que se permite en su película: la música que el autoestopista Morrison de HWY: An American Pastoral sintoniza en la radio de su coche se ve interrumpida por el locutor para anunciar la triste noticia de la muerte del cantante de los Doors el 3 de julio de 1971.

A partir de ahí, Jhonny Depp -su incorporación ha hecho ganar enteros al documental, en un principio narrado por un DiCillo demasiado monótono-, como narrador onírico, comienza a recitar el guión, e incluso a improvisarlo en ocasiones. Nos presenta a un Morrison lleno de inquietudes poéticas y devoto de Baudelaire, Rimbaud o William Blake, y estudiante de cine en la UCLA, donde conoció a Ray Manzarek y con el que alumbraría la banda.

DiCillo nos retrata la, nunca mejor dicho, camaleónica transformación de Jim Morrison en el Rey Lagarto. De un Morrison que al principio tenía un gran miedo escénico y hacía sus primeras actuaciones de espaldas al público en el club californiano Whisky a Go Go al provocador Morrison de los conciertos multitudinarios donde los policías sobre el escenario eran parte más del atrezo hasta que acababan llevándoselo detenido.

"Para Ray es como un antiguo chamán que lleva a sus seguidores a mundos en los que nunca se atreverían a entrar solos", dice Depp en la narración.

La irreverencia 
El documental repasa cronológicamente y reconstruye momentos clave de la carrera del grupo que demostraban su irreverencia, como la actuación que les valdría el despido del Whisky a Go Go en agosto de 1966, unos días después de ser fichados por Elektra, en la que Morrison cantó en la parte edípica de The End "Father? Yes son? I want to kill you, Mother? I want to fuck you" (¿Padre?, ¿Sí, hijo?, Quiero matarte; ¿Madre? Quiero follarte). La relación de Jim con su padre, almirante de la Marina, nunca fue buena.

También incluye la actuación en 'El Show de Ed Sullivan', en septiembre de 1967, cuando los censores de la CBS exigieron a Morrison que suprimiera la parte de la canción de la exitosa "Light my fire" en la que decía "Girl, we couldn't get much higher" ("Nena, no podríamos habernos elevado más") por su clara alusión a las drogas. La 'sugerencia' sirvió al cantante para pronunciar en directo un "higher" mucho más fuerte y claro. Nunca más volvieron a ser invitados.

A ese ánimo provocador hay que unir los problemas con las drogas y el alcohol de Morrison, que lo fueron minando a él y al grupo. El súmmum llegaría en una actuación el 1 de marzo de 1969 en el Dinner Key Auditorium de Miami, en la que el cantante inició un monólogo con el público en el que los invitaba a pasarlo bien, a cambiar el mundo y hacer todo lo que quisieran. Aunque no se presentó ninguna prueba gráfica, se le acusó de haber enseñado el pene y simular una masturbación y fue llevado a juicio y condenado por blasfemia y exhibicionismo a cuatro meses de trabajos forzados en una cárcel, que nunca llegaría a cumplir porque murió antes. A raíz de este incidente, se les prohibió actuar en muchas partes de Estados Unidos.

Estos problemas con las drogas y el alcohol y sus consecuencias los retrata el documental sin caer en los estereotipos del biopic de Oliver Stone, que presentaba a un Jim Morrison simplemente como un borracho ridículo y auto-destructivo.

"Morrison es a la vez inocente y profano. Un poeta del rock' n' roll. Peligroso y muy inteligente. Nunca nadie había logrado esa combinación antes", sigue el guión del documental.

"Elvis era sexy; Mick Jagger sexy y poderoso; pero ninguno de los dos inteligentes o poetas. Jim Morrison fue el primero y el único que cubrió todas las necesidades de las estrellas del rock: era hermoso, andrógino, gustaba a mujeres y hombres, y muy inteligente. Tan bueno, tan bueno que eso le destruyó", afirma DiCillo.




La muerte de un mito 
Es de agradecer también que, a diferencia de otros documentales y de la película de Stone, DiCillo no entra en especulaciones sobre la muerte de Morrison. Éste, poco antes de morir había decidido retirarse un tiempo a París con su novia, Pamela Courson, intentar dejar el alcohol y centrarse en su verdadera vocación, la poesía. La noche del 3 de julio de 1971, después de haber bebido mucho, Pamela lo encontró muerto en la bañera.

Jim Morrison se marcha a París en abril de 1971 ('When you're strange') Meses antes, después de las muertes en menos de un mes de Jimi Hendrix y Janis Joplin, que le afectaron mucho, llegó a bromear con que él sería el tercero.

El epílogo de la película de DiCillo es muy gráfico con el mensaje que ha querido dar: que los Doors nunca se vendieron. En vida de Morrison se negaron a ceder los derechos de “Light my fire” para un anuncio de coches. A día de hoy, ninguna de sus canciones se ha usado en un anuncio de coches.

“When you’re strange, no one remembers your name” (Cuando eres un extraño nadie recuerda tu nombre). Lo siento, señor Morrison, en esto se equivocó.


17 sept. 2012

The Lord of the Rings Symphony

Gold Seven / Deviantart
Howard Shore presenta
The Lord of the Rings Symphony
Festival Montreal en Lumière



Sibeal Hill cantando Into the West con The Tolkien Ensemble.
The Lord of the Rings in Concert tour 2009.

Into the West

Lay down
Recuesta
Your sweet and weary head
tu inocente y atribulada cabeza
Night is falling
que ya cae la noche
You’ve come to journey's end
Tu viaje ha llegado a su fin.
Sleep now
Duerme ahora
And dream of the ones who came before
y sueña con tus antepasados
They are calling
Ellos te llaman
From across the distant shore
desde distantes costas.

Why do you weep?
¿Por qué lloras?
What are these tears upon your face?
¿Qué son esas lágrimas sobre tu rostro?
Soon you will see
Pronto verás
All of your fears will pass away
cómo todos tus miedos se desvanecerán
Safe in my arms
A salvo entre mis brazos
You're only sleeping
sólo estás durmiendo.

[Chorus]
What can you see
¿Qué es lo que ves
On the horizon?
en el horizonte?
Why do the white gulls call?
¿Por qué graznan las blancas gaviotas?
Across the sea
A través del mar
A pale moon rises
se eleva la pálida luna
The ships have come to carry you home
Han llegado los barcos que te llevarán a casa.

And all will turn
Y todo se transformará
To silver glass
en un cristal plateado
A light on the water
como una estela en el agua
All souls pass
pasarán todas las almas.

Hope fades
La esperanza se desvanece
Into the world of night
en un mundo nocturno
Through shadows falling
a través de sombras que se ciernen
Out of memory and time
vacías de tiempo y memoria
Don't say: «We have come now to the end»
No digas que hemos llegado al final
White shores are calling
Blancas costas nos llaman
You and I will meet again
y tú y yo nos encontraremos otra vez.

And you'll be here in my arms
Y tu estarás aquí entre mis brazos
Just sleeping
simplemente durmiendo.

[Chorus]

And all will turn 
Y todo se transformará
To silver glass
en cristal plateado
A light on the water
como una estela en el agua
Grey ships pass 
Navegan los barcos grises
Into the West
hacia el oeste.
 

11 sept. 2012

Zombis


Un zombi (en ocasiones escrito erróneamente con la grafía inglesa zombie) es, originalmente, una figura legendaria propia de las regiones donde se práctica el culto vudú. Se trata de un muerto resucitado por medios mágicos por un hechicero para convertirlo en su esclavo. Por extensión, ha pasado a la literatura fantástica como sinónimo de muerto viviente y al lenguaje común para designar en sentido figurado a quien hace las cosas mecánicamente como si estuviera privado de voluntad.

De acuerdo con la creencia, un houngan, bokor o hechicero vudú, sería capaz, mediante un ritual, de resucitar a un muerto, que quedaría sin embargo sometido en adelante a la voluntad de la persona que le devuelve a la vida. Estos muertos vivientes son llamados zombis.

Orígenes del Zombi

Dentro de la tradición Vudú y la tradición oral haitiana el concepto Zombi ha sido de gran importancia cuando se considera la forma en la que tal concepto participa en la representación del cuerpo, del alma y de la otredad en el imaginario haitiano.

Etnólogos e historiadores han llegado a la conclusión de que el zombi haitiano, en su génesis, está íntimamente relacionado con la esclavitud y la opresión dentro de Haití.

En el año 1697 se dio la primera aparición significativa del concepto y la palabra zombi, dentro de la novela autobiográfica de Pierre-Corneille de Blessebois, Le Zombi du Grand Pérou, ou La comtesse de Cocagne. Dentro de la novela, la figura del zombi resulta muy ambigua, y se refiere principalmente a una entidad incorpórea. También en el siglo XIX, Sir Spenser Buckingham St. John, visitador y ministro residente en Haití, contaba a sus amistades británicas cuentos de canibalismo y vudú que incluían la ingesta de infantes y la exhumación de cadáveres como parte de ciertos rituales7 .

La relación entre el esclavo y la figura del zombi ha sido anotada por varios estudiosos del tema generalmente se comparan características como los hábitos de comida, la ropa rasgada, la transición hacia la esclavitud marcada por el bautismo o la asignación de un nuevo nombre, la pérdida de toda relación con el ser que se era antes de la esclavitud, la muerte social, ausencia de un rito funeral luego de la muerte y su estatus sociológico de objeto.

La figura del zombi en Haití también pudo haber surgido como receptáculo o representación del miedo que causaban la esclavitud y sus consecuencias dentro de la isla, incluso se le ha relacionado, en su origen, con el mesmerismo. Se ha argumentado también que el concepto de zombi proliferó (sobre todo a principios del siglo XX, y principalmente en Norteamérica), gracias al contexto de explotación y denigración en Haití debido a que productos culturales como The Magic Islandde William Seabrook o The White Zombie de Victor Halperin pudieron haber ayudado a justificar (en la opinión pública norteamericana) la intervención política y militar de Estados Unidos de América en una isla considerada “barbárica”.

Es importante mencionar también que el concepto de zombi en Haití está fuertemente anclado a la creencia del alma dual, y esta forma de concebir el alma ya estaba presente (con diversos matices) dentro de algunas religiones africanas (en Benín, Camerún, Ghana, Nigeria, Togo, Tanzania, y Zaire, por ejemplo), por lo tanto, es importante, a la hora de discutir los orígenes del concepto de zombi, tomar en cuenta la significativa relación que guarda la religión Vudú con algunas de las religiones africanas.

A través de la literatura y los diarios de viajero, la figura del Zombi pasó a ser parte de la cultura popular mundial, pero se puede decir que “desde sus primeras apariciones en la literatura, la palabra zombi ya estaba relacionada con el luto, la muerte y la esclavitud".

Los tipos de zombis, el alma dual

Dentro de la religión Vudú, está presente el concepto de alma dual y se encuentra íntimamente ligado con la figura del zombi. Existen por lo menos dos tipos de alma según esta tradición: el Gros Bon Ange (gran buen ángel) y el Ti Bon Ange (pequeño buen ángel).

El primer tipo de alma, el Gros Bon Ange, es un concepto espiritual al que se le atribuye la memoria, los sentimientos y la personalidad del hombre. Esta alma está en relación directa con el cuerpo. Algunos estudiosos consideran que, dentro de la religión vudú, perder el Gros Bon Ange equivale a perder la vida.

El segundo tipo de alma, el Ti Bon Ange, es un concepto espiritual que está ligado al cerebro, a la sangre, a la cabeza y a la conciencia del hombre. Este tipo de alma representa, por un lado, al zombi (zombi incorpóreo) y por otro, su ausencia, o robo (por parte del hechicero o Bokor), explican, dentro del imaginario haitiano, la condición de zombi de una persona (zombi corpóreo). A pesar de las discusiones acerca de las características, y función que ambos tipos de alma tienen, se ha llegado a aceptar generalmente que es el Ti bon Ange el que está directamente relacionado con lo que los creyentes llaman el proceso de zombificación.

Esta división del alma dentro de la religión Vudú, es importante para entender el concepto de zombi, particularmente en lo relativo al Ti Bon Ange, pues es a partir de esa forma de alma que se desenvuelven los dos tipos de zombi que han sido estudiados a partir de testimonios: el zombi corpóreo y el incorpóreo, o como algunos estudiosos los han llamado: “el cuerpo sin alma” y el “alma sin cuerpo”.

Está bien documentado que no hay una división tajante entre ambos tipos de zombis dentro del pensamiento mágico en Haití, se puede observar que, dentro de los relatos recogidos por etnólogos, la distinción entre un zombi y otro no es clara ni definitiva, pues los relatos pueden describir por ejemplo, a un zombi que camina por la calle, que ha salido de su tumba, o uno que habita una vasija para ser vendido después y brindar protección, pero ambos, por ejemplo, dentro del imaginario haitiano, pueden funcionar como servidumbre doméstica.

Zombi, alma sin cuerpo

El zombi como espíritu o presencia (zombi incorpóreo) se encuentra en la tradición oral de Haití principalmente en el periodo pre-revolucionario. En términos generales, se puede afirmar que, dentro de la tradición oral haitiana, la palabra zombi también se le puede adjudicar a una entidad espiritual, específicamente al Ti bon Ange. El Ti bon Ange, una forma de alma del humano según la tradición Vudú, sería capturado por el hechicero (Bokor) de diversas formas y para distintos propósitos: existen testimonios que afirman que el Ti Bon Ange es capturado (antes o después de la muerte) y depositado en un cántaro (canari). Poseer el Ti Bon Ange de una persona resulta muy valioso pues el hechicero puede venderlo o rentarlo, de la misma forma que ocurriría con los zombis de carne y hueso. Se dice que, una vez que el Bokor posee el alma de alguien ya nadie la puede tomar.

Puede ocurrir también que se le pague a un Bokor y éste ponga polvos especiales en el camino por el que la víctima vuelve del trabajo, al pisar estos polvos (wangas), el alma (Ti Bon Ange) de la víctima es robada. Se han recolectado relatos que afirman que una costurera, por ejemplo, puede "disponer de un zombi que va en busca de clientes y los atrae como un imán, [o bien], un estudiante que tiene dificultades en la escuela puede recibir de sus padres un zombi que entonces será alojado en la punta de su pluma para ayudarlo en los exámenes".

Un zombi incorpóreo, dentro de la tradición oral haitiana, puede también usarse para asesinar a alguien, hacer que alguien caiga enfermo o para destruir cosechas.

Zombi, cuerpo sin alma

Este tipo de zombi (corpóreo) responde al paradigma de una criatura que, en términos generales, es regresada de la muerte por el hechicero, a través de distintos medios, y para diversos propósitos. Dentro de la tradición oral haitiana, puede ocurrir, por ejemplo, que una vez enterrada la persona en cuestión, sea exhumada y llamada tres veces por su nombre por parte del hechicero. Otros relatos recolectados afirman que el alma (Ti Bon Ange) es robada antes de que la víctima muera.

De la misma forma, se habla individuos que no mueren, sino son inducidos a una muerte aparente (un letargo) a través del envenenamiento, posteriormente son enterrados vivos y sacados de sus tumbas, el envenenamiento puede ir acompañado del robo del Ti Bon Ange, eso significaría que "el zombi es realmente un individuo con el alma incompleta".

Existen también versiones en las cuales, la forma de zombificación radica en que el hechicero aspire el alma de la víctima a través de la fisura en la puerta de su casa para luego traspasarla a un botella o cántaro; el hombre entonces cae enfermo, muere y es enterrado. Posteriormente, el hechicero pide permiso al cuidador del cementerio de extraer al cuerpo para poner debajo de su nariz la botella con el alma de la víctima mientras le administra una droga especial. Se dice además que, una vez resucitado el cuerpo, éste no puede ingerir alimentos con sal pues volvería a ser normal.

A través de la cultural popular se ha diseminado la creencia de que aquella persona convertida en zombi era usada para ciertos tipos de trabajos forzados, ya sea en plantaciones o como sirvientes domésticos. A pesar de que estas ideas existen verdaderamente en el imaginario haitiano (y hayan pasado a través de la cultura de masas, al mundo entero) se ha demostrado, sin embargo, que esto no ocurren en la realidad.

wikipedia
Documental de The Unexplained
Zombi: El enigma de los muertos vivientes

7 sept. 2012

Cream: Royal Albert Hall London 2005





Cream
Live at Royal Albert Hall, London
Mayo 2005

En mayo de 2005 Cream volvió a reunirse en Londres, justo en el Royal Albert Hall, el mismo escenario donde había tenido lugar su última actuación en 1968. Con la excepción de una breve reunión en 1993 con motivo de su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame, Cream no habían actuado juntos en casi cuatro décadas. Este vídeo es una muestra de las cuatro noches, además de imágenes de archivo o entrevistas a los tres miembros del grupo: Ginger Baker (batería), Jack Bruce (bajo) y Eric Clapton (guitarra). 


I’m So Glad
Spoonful
Outside Woman Blues
Pressed Rat and Warthog
Sleepy Time Time
N.S.U.
Badge
Politician
Sweet Wine
Rollin’ and Timblin’
Sotmry Monday
Deserted Cities of the Heart
Born Under a Bad Sign
We’re Going Wrong
Crossroads
Sitting on Top of the World
White Room
Toad
Sunshine of Your Love




Farewell Concert fue la despedida de Cream, en el Royal Albert Hall (26 de noviembre de 1968). Hasta su reunión en 2005, esta fue su única grabación en vídeo del grupo. Fue emitido por la BBC el 5 de enero de 1969 y publicado como vídeo en 1977.

31 ago. 2012

Nanook Of The North / Nanuk, el esquimal

Nanook of the North (titulada Nanuk, el esquimal en español) es un largometraje cinematográfico de 1922 de género documental dirigido por Robert Flaherty. Está considerado como el primer documental de la historia.
Carente de neutralidad, no es cierto que Nanuk el esquimal sea un documental veraz y respete la realidad, ya que esto es imposible. Para filmarlo, Robert Flaherty pasó prácticamente dos años y medio conviviendo con un cazador y pescador que encarna al personaje de Nanuk (su verdadero nombre era Allakariallak), y con su familia. Antes ya había vivido en la zona (haciendo prospecciones geológicas en los yacimientos mineros de la bahía de Hudson para la Fundación Mackenzie) e incluso había filmado, animado por el propio Mackenzie, más de 10 000 metros de película (que se destruyeron en un incendio).

En el documental, Flaherty no muestra la vida de los esquimales tal y como la veía, sino que intentó mostrar como imaginaba su modus vivendi antes de ser invadidos por la cultura occidental (Flaherty no era antropólogo). Según él, sus intenciones "eran mostrar el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo". (Wikipedia)

24 ago. 2012

Triana - El Patio


El Patio es el nombre que se le ha dado (en la portada no figuraba) al primer álbum del grupo sevillano Triana. Fue grabado en los estudios Kirios y publicado por Gong-Movieplay el 14 de abril de 1975. En 2003 se editó por primera vez en CD.

Aquel disco supuso un hito en la música española y más concretamente en la andaluza. Con el tiempo llegarían Veneno, la Leyenda del Tiempo, Omega. Posiblemente ninguno de estos otros hitos hubiera tenido lugar si Triana no hubiesen abierto el camino con El Patio.
  • Jesús de la Rosa – voz y teclados
  • J. J. Palacios "Tele" – batería y percusión
  • Eduardo Rodríguez – guitarra española
  • Manolo Rosa – bajo
  • Antonio García de Diego – guitarra eléctrica


Letras y partituras 

1. Abre la puerta
(De la Rosa)

Yo quise subir al cielo para ver
y bajar hasta el infierno para comprender
que motivo es
que nos impide ver
dentro de ti...
dentro de ti...
dentro de mí...
Abre la puerta niña
que el día va a comenzar
se marchan todos los sueños
que pena da despertar.
Por la mañana amanece
la vida y una ilusión
deseos que se retuercen
muy dentro del corazón.
Soñaba que te quería
soñaba que era verdad
que los luceros tenían
misterios para soñar.
Hay una fuente niña
que la llaman del amor
donde bailan los luceros
y la Luna con el Sol.
Abre la puerta niña
y dale paso al amor
mira que destellos tienen
esas nubes con el sol.
Por la mañana amanece
la vida y una ilusión
deseos que se retuercen
muy dentro del corazón.

Partitura 
2. Sé de un lugar
(De la Rosa)
Sé de un lugar,
sé de un lugar
para ti
abre tu corazón
que ahí vengo a buscarte, amor
te llevaré a un lugar
donde broten las flores, amor.
Y allí construiremos nuestra casa
que la bañe el sol.
Sé de un lugar
sé de un lugar
donde brotan las flores para ti
donde el río y el monte se aman
donde el niño que nace es feliz.
Sé de un lugar
sé de un lugar
para ti.
Sé de un lugar
sé de un lugar
donde pronto amanece
donde juegan los peces junto a ti
donde la lluvia cae
y riega la tierra que se nos dio.
Sé de un lugar
sé de un lugar
yo sé de un lugar para ti
yo sé de un lugar para ti.
Abre tu corazón
que ahí vengo a buscarte amor
te llevaré a un lugar
donde broten las flores, amor.

Partitura
3. Todo es de color
(M.Molina/J.J.Palacios)
Todo es de color.
Qué bonita es la primavera.
Qué bonita es la primavera
cuando llega.
El clavel que tienes en tu ventana
me hace recordar el barrio de Triana.

Partitura
4. Luminosa mañana
(De la Rosa)
Ayer tuve un sueño
alto como el cielo
cuando desperté
algo me quemó muy dentro.
El pájaro cantaba
la triste melodía
que brota de la tierra
sin cesar ni un momento.
De pronto me vi
como un extraño
comencé a caminar
sin saber a donde ir
sin saber ...
Los árboles contaban
historias de otros mundos
con danzas expresivas
para un corazón sediento.
Luminosa mañana
prendida de sufrimiento
hoy he visto la luz
que todos llevamos dentro.

Partitura
5. Diálogo
(De la Rosa)
A mi puerta llamó el amor
y no quise escucharlo y no sé
por qué sangra en mi pecho
el recuerdo de tu amor.
Pregunté a la Luna
si era el amor
lo que brilla en tu sonrisa
con tanta ilusión
y llorando me confesaba
que quería ser para mí
y la Luna me contestaba
para amar hay que sufrir
y la Luna me contestaba
yo quisiera ser para tí.
A mi puerta llamó el amor
y le abrí mi pecho con calor
porque dentro de mí estaba
el recuerdo de tu amor.

Partitura
6. En el lago
(De la Rosa)
Ayer tarde al lago fui
con la intención de conocer
algo nuevo.
Nos reunimos allí
y todo comenzó a surgir
como un sueño.
Creo recordar que por la noche
el pájaro blanco echó a volar
en nuestros corazones
en busca de una estrella fugaz.
Vimos juntos el amanecer
y el lago reflejó nuestros sueños.
En silencio fuimos a caer
junto al gran monte aquel
que nos dio el amor.
No puedo negar que me hizo daño
que mi corazón huye de ti.
Has de ser como la mañana
del día que te conocí.

Partitura
7. Recuerdos de una noche
(De la Rosa)
Tú que me hablas
reina de la morería
cada vez que estás a mi vera
siento una gran alegría
cada vez que estás a mi vera
siento una gran alegría.
Yo junto a tu ventana
yo he venido a parar
en recuerdo de una noche
que nos vimos de verdad
en recuerdo de una noche
que nos fuimos a enamorar.
Yo cerré tu puerta con llave
a mi corazón sediento
que no importa que sepa la gente
compañera, compañera
la Luna se baña en el río
compañera, compañera.
ay, no, no...
ay, no, no...

Partitura